N.Y.Cityのまちかど

⇒その前の世代（ヨーロッパ19世紀的音楽観）に対するアンチテーゼとして働いていた。
…ここでいうヨーロッパ19世紀的音楽観とはたとえば楽典・対位法など。20世紀を過ぎてもなお引きずっている。

この時代は、「市民社会」→「国民国家」→「植民地支配」と、社会構造が大きく変化する時代。この社会構造変化を反映した芸術が求められた。特に音楽作品（≒クラシック音楽）では早くからその影響が強く、強近代性を求められたまま、今でもなおその影響が続いている。

音楽ではこの変化は出にくかった。芸術の中で早くに出現したのは文学や絵画。

20世紀のアメリカ都市部では、ポップスとしてアフロ・アメリカンによるアメリカン・ブラック・ミュージックが色濃く残っていたという特殊な事情がある。

参考：Charley Patton「Dry Well Blues(1929)」
(録音記録された)最初期のブルース

歌詞があり、タイトルもあり、一応再現はできる構造になっているが、その場のノリで少しずつ変化していく。（繰り返されるうちにパターン化はしてくる）。
⇒芸能・遊びとしての即興

途中で合いの手や掛け声が入る→これは後の「ラップ」や「ヒップホップ」に接続される要素。

ジャズ・ミュージックは南アメリカから広がっていったため、ラテンの要素がベースに多く入っている。

今回は「ポップスとしてのジャズ」はひとまず割愛して、「モダン・ジャズ」のみに注目する。

参考：Charles Parker Jr,「Relaxing at camarillo(1949)」

ドレミファを使った高度なあそびを進化させている＝Be-Bop（ビバップ）

ブルースフォームが反復しているという音楽構造は、先のDry Well Bluesと同じ。機能和声というツールをブルースフォームという型の中に突っ込んでくることで、色々な人が様々な楽器でハプニングを起こしながら入り込んでくる。
⇒ブラック・アメリカンしかできなかったブルースがある程度のお勉強（機能和声の）を積むことで出来るようになった。
↓
ポップス（コーラス／ダンス付音楽）から、モダン(近代的）な音楽として再評価されるようになる。

1960年代ごろになると、プレイヤーが共通で決めていた「テーマ」を捨てて、コード進行もどんどんそぎ落としていって、より制約の少ない、自由な中で演奏を成立させる試みが進んでいく。（ジョン・コルトレーンなど）

ジョン・コルトレーンらが演奏する「My Favorite Things」は時代を経ていくにつれ複雑に進化し、演奏時間がどんどん伸びている。

コルトレーンの後期になると、「良く解った上で難しいことをやっている人」と「よく解らないまま自分の事をやっている人」が混ざって演奏しており、そのことで却って音楽の強度が上がり、コシが出てきている。

このようにモダンジャズが成熟するにつれ、ポップスから離脱していくようになる。

さらに時代を進むと、即興「のみ」を追求し、「自分なり」のジャズを追求し、フリー・ジャズへと向かう。

1回も時間をループしない音楽構造であり、ブラック・ミュージック的な律動を用いず、マテリアルなサウンドになっている。
⇒音楽の「共有」が不可能になる。

ベイリーのインプロビゼーションは「1個人1音楽」。音楽の再現性はない…といいつつ、他作品の引用は存在する。一瞬、適当に音を鳴らしているように聞こえるかもしれないが、決して適当ではなく、次の音をきちんとコント―ロールして演奏している。

後にデレク・ベイリーはCompanyというプロジェクトを立ち上げる。「楽器を持って、自分の演奏を確立さえしていれば、どんな人ともセッションできる」と考え、ジャンルにとらわれずただともに演奏する。
⇒「ノン・イディオマティック」と言った。

イディオムとは「ジャンルを確立するコア」であり、「ノン・イディオマティック」ではそのコアを取り去ってしまう。

ただそのデレク・ベイリーも、個人の「演奏家」、すなわち「トレーニングを受けた一専門家」であって、その意味では19世紀近代的な存在から脱出できていない。

ミュージック・コンクレートは、録音された音の断片をパッチワークして作曲する手法で、「メディア・アート」でありかつ「クラシック」の流れにおかれる。デレク・ベイリーの演奏は「（メディアアートである） ミュージック・コンクレートを、あえて生演奏で再現してしまおうと試みたものと言える。

あまり大きな違いはないが、アドリブが「空気雰囲気を読んで適当に」というニュアンスなのに対し、インプイロヴィゼーションはもっと積極的に作り込んでいったもの…と言うイメージ。

以上